Sala de Arte CCU, Santiago.

Agosto de 2024

Curadores: 

Tomás Rivas

Claudia Müller

Artistas:

Fernanda Molina 

Danyela Celis  

Camila Prat

Ximena Silva 

Sayén Figueroa 

Isidora Gómez

Inés González 

Moira Sandoval 

Catalina Mancilla 

Ignacio San Martín

Eliecer Espinoza 

Boris Jiménez 

Aylén Ayala  

Antonia Paz Luttecke  

Tomás Gallo

Josefa Reyes 

Hyshell Flores

Antonia Acuña  

Ignacio Baeza

Estefanía Chanqueo 

Sofía Lagos 

María Paz Morales

Catalina Garnica  

Catalina Cayupan Pérez

Paz Meneses   

Valeria Manríquez 

Ignacia Valdebenito 

Exposición en KSA8, Santiago.

Gestores:

Martín Paredes

Magdalena

 Artistas: 

Thiare Huerta

Cris Salamanca

Josefa Orellana

Ayline Figueroa

María Jesús Kramer

Ángel Olivares

Diego Cortés

Ignacio Cerda

María José Peña

Macarena Fuentes

Iovani Abarzúa

Isidora Arzola

Constanza Cortés

Darlyn Espinoza

Pamela Díaz

Isidora Asocar

Emilia Castro

Pedro Zabala

Arte en construcción es un proyecto expositivo transgeneracional formado y gestionado por estudiantes de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales. Donde, a partir del mismo punto en común, busca generar lazos dentro y fuera de la comunidad, insertando a les artistas en los distintos niveles en el circuito artístico nacional.

Exposición en KSA8, Santiago.

Residencia artística en KSA8, Santiago.

Gestores:

Matías Valenzuela

Ignacio Cerda

Isidora Rojas

Artistas residentes en KS8: 

Sebastián Márquez

Isidora Miller

Marcelo Cruzat

Matías Valenzuela

Ignacio Cerda

Isidora Rojas

Colaborador y director espacio KSA8: Cristian Orellana

Arte en construcción es un proyecto expositivo transgeneracional formado y gestionado por estudiantes de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales. Donde, a partir del mismo punto en común, busca generar lazos dentro y fuera de la comunidad, insertando a les artistas en los distintos niveles en el circuito artístico nacional.

Exposición en KSA8, Santiago.

Exposición en Facultad de Medicina UDP, Santiago.

Exposición en Facultad de Psicología UDP, Santiago.

Exposición virtual en https://arteenconstruccion.com

Gestores: 

Sebastián Márquez

Isidora Miller

Catalina Soto

Marcelo Cruzat

Artistas exposición web:

María Concha

Gema Carreño

Antonia Rojas

Bárbara Zúñiga

Joaquín Francia

Vannia Claret

Exposición de artistas Facultad de Medicina: 

Ignacio Cerda

Javiera Salinas

Delory

Magdalena Roldán

*Módulos de montaje: Sebastián Mancero y Fernanda Cartes

Exposición de artistas Facultad de Psicología: 

Michelle Hostolaza

Javier Leiva

Tanque Blanca 

Matías Valenzuela

* Módulo de montaje: Belén Pavez

Artistas de la exposición KSA8: 

Felipe Tinto San Martín

Ximena Alarcón

Diego Mora

Jan Villarroel

Natalia Huilipán Lorca

Paula Galaz Ponce

Ismael Sepúlveda

Sebastián Salazar Contreras

Tomás Arredondo Maldonado 

Isidora Rojas.

Colaborador y director espacio KSA8: Cristian Orellana

Arte en construcción es un proyecto expositivo transgeneracional formado y gestionado por estudiantes de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales. Donde, a partir del mismo punto en común, busca generar lazos dentro y fuera de la comunidad, insertando a les artistas en los distintos niveles en el circuito artístico nacional.

Exposición en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende

Santiago de Chile, Octubre 2024.

Programa de Investigación y Creación Gráfica

Prácticas artísticas en torno al Archivo MSSA

Edición 2023: Resistencia

Imágenes: Benjamín Matte

Artistas-docentes: 

Camila Ramírez

Carolina Illanes

Cristián Inostroza

Gonzalo Aguirre

Leslie Núñez

Magdalena Quijano

Equipo Editorial: 

Bernardita Croxatto (Escuela de Arte UDP)

Andrea Jösch (Escuela de Arte UDP)

Juan Esteban Reyes (Escuela de Arte UDP)

Isabel Cáceres (Archivo MSSA)

María José Lemaitre (Archivo MSSA)

Catalina Miranda (Archivo MSSA)

El Laboratorio de Creación Artística de la Escuela de Arte UDP realiza programas a partir de la creación artística como generadora de conocimiento, la cual involucra dimensiones prácticas, teóricas y procedimentales que interactúan con diversos conocimientos y saberes. Uno de sus programas —Investigación y Creación gráfica— colabora desde 2023 con el MSSA realizando prácticas artísticas en torno al Archivo del Museo. 

En la presente exhibición, Las ideas felices son así , mostramos los procesos del primer Laboratorio anual que se basó en el período del Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende (MIRSA), desde 1975 a 1990. Seis artistas-docentes de la Escuela invitados fueron a investigar acerca del cuerpo documental de las Fichas MIRSA, para indagar bajo el concepto de resistencia en las imágenes, retratos, escritos, declaraciones, correspondencias e incluso en las marcas que deja el paso del tiempo en la materialidad de un documento, o los vacíos de información que revelan los esfuerzos de un período de clandestinidad. El proceso de experimentación se estructuró a partir de visitas al Archivo para trabajar con materiales documentales, reuniones para compartir las investigaciones y hallazgos, y el trabajo en el taller de serigrafía de la Escuela. También involucró un proceso de colaboración entre varias organizaciones del Barrio República, cuya relevancia radica en la necesaria y urgente creación de comunidad: a partir de la correspondencia entre los procesos artísticos, las prácticas educativas y de mediación crítica.

Resistir para querernos es una suerte de diagrama coral sobre los imaginarios del poder, los deseos y las luchas; es un entramado de propuestas que dialogan con los gestos manuscritos y epistolares de artistas a partir de la gráfica, que ha tenido en los últimos 50 años un papel ineludible en la construcción de contra-narrativas basadas en gestos y acciones solidarias. 

“Si la historia se centra en la descripción del pasado, en la memoria prevalece la construcción de sentido presente. La memoria trabaja con testimonios; la postmemoria, con archivos” (Fontcuberta, 2024). Desde ese lugar de enunciación es que este diagrama puede leerse en la concatenación de formas y signos visuales, que desde diversos desplazamientos del grabado nos revelan mecanismos de poder subyacentes en las narrativas oficiales, como el puño alzado de la libertad en oposición al puño autoritario de Diego Portales, o en el triunfo del rojo y la belleza de la utopía socialdemócrata sobre el azul. Así también, en signos populares como el deporte o la prensa amarillista, que encandilan con sus pastos verdes y sucesos religiosos para esconder la violencia. A la vez surgen aquí manchas, grafías, retratos como vestigios de lo humano; la humanidad del tacto y la densidad del tiempo de una imagen, como formas que reparan en pequeños gestos cargados de afección que, a través del arte, sostienen la idea del bien común. 

El tiempo de la memoria política es siempre un presente para la acción gráfica, uno que nos abre preguntas sensibles para posibilitar y volver siempre a pensarnos colectivamente. 

Exposición en Isabel Croxatto Galería

Agosto 2024

Artistas:

Claudia Paine

Michelle Hostolaza 

Quin France

Si nos remontamos a las primeras academias de pintura y oficios hacia finales del S. XVIII en Chile, podemos observar que aún se sostiene como método para instruir a un estudiante de Arte Visuales, algo de esa condición histórica: representar la realidad por medio de distintas técnicas y disciplinas. Incluso la versión más desmaterializada, propia de las segundas vanguardias del S. XX, en la que se asume el arte ya no como un objeto que se hace, sino como un modo por el cual se hace la vida, no ha sido capaz de explicarse o constituirse como un método, sino es por medio del ejercicio de comprender los mecanismos de la representación, para luego negarlos. En el aula local, su ejercicio es aún una especie de ritual, antes de avanzar a las prácticas más experimentales que nos ofrece el arte contemporáneo; ritual que tiene como centro a ese bodegón o cuerpo desnudo que el estudiante debe imitar por medio de la materia: un modelo.

Si reconocemos la presencia de un modelo, podemos observar también la paradoja que esta palabra envuelve. Cuando este se trabaja desde afuera se convierte en ese patrón a seguir, en un paradigma ejemplar que debemos copiar fielmente para lograr la excelencia; pero al mismo tiempo, el modelo declinado a la acción, al interior de la materia, nos sugiere la posibilidad de modelar, es decir, de moldear una nueva forma y dar así lugar a algo no preexistente.

Desde las prácticas del arte contemporáneo, la palabra creación se opone a la palabra representación puesto que representar el mundo como tal, implica abandonar toda posibilidad de imaginar un mundo otro. Crear en cambio, vendría a ser inventar uno o muchos mundos. Sin embargo, el modelo parece necesario para imaginar eso que aún no existe, para engendrar una imagen a partir de un código compartido, pues es la modificación de su uso, lo que abrirá una pequeña ranura por la cual lo representado deja de coincidir con la realidad y viceversa. Dice Sara Ahmed, que cuando algo cumple su función deja de verse y que cuando esta misma cosa pierde su función o es usado para un fin imprevisto o se rompe, puede recién entonces aparecer en nuestras conciencias y, que por tanto, “una rotura puede ser la forma en que algo se revela”.[1] En cierta medida esto es lo que hace el arte contemporáneo, revelar lo que está en el interior de la materia, rompiendo su utilidad, extrañando la mirada, desmantelando el uso del modelo como figura, para hacer aparecer el fondo en el que se inscribe: la posibilidad o imposibilidad de un mundo.

La exhibición Postescuela: modelos de lo propio y lo ajeno reúne el trabajo de Claudia Paine, Quin France y Michelle Hostolaza, que no solo comparten un origen formativo en común, sino también, responden, en resistencia o con cierta nostalgia, a aquellos arquetipos que debemos des-modelar para volverlos a mirar, para emancipar su representación normativa: la educación, la familia y la sexualidad. A veces más cercanos, a veces más distantes entre sí, funcionan como un diagrama cuyas zonas de contacto no están necesariamente en materiales, procedimientos, ni tipologías visuales, sino en la rotura que cada artista problematiza al disponer estos arquetipos como formas propias o imposiciones ajenas.

Claudia Paine, construye a partir de técnicas manuales y materiales propios de la etapa escolar básica chilena, un cuestionamiento a la institucionalidad, desde su experiencia estudiando artes visuales y los modelos educativos. En la iteración del gesto fútil y tedioso de hacer bolitas de papel, revela la ironía de la instrucción parvularia que hace colorear, por el margen, símbolos patrios y emblemas de poder. ¿Qué tan nuestro nos resulta el territorio y la identidad chilena cuando se instruyen como verdades incuestionables? Paine, invierte la lógica representacional de la patria oficial: fuerza, valor, honor, identidad, igualdad, etc. para devolvernos a la vida real, con sus melancolías, sutilezas, quiebres e imposibilidades. Aquellos símbolos que se introducen como propios y transversales, son en realidad ajenos, así como también la tarea escolar puede ser un ejercicio absurdo y alienante. Sin embargo, en las manos de la artista que, presionan sin fin estos papelitos, el margen se desdibuja y el tiempo transcurre liberado de todo sentido de utilidad.

Quin France se compone de una propuesta, por un lado objetual, donde articula escenas homoeróticas tensionadas con el imaginario masculino de la guerra. Figuras de juguete, construidas industrialmente para representar sujetos bélicos, son manipuladas para hacer de sus cuerpos formas escultóricas de intercambios sexuales. Por otro lado, en los dibujos textiles en los que aparecen también distintas posturas sexuales, solitarias y en grupo, esta vez con un ánimo de juego, humor y celebración, las figuras rehúsan el modelo patriarcal, son en cambio, formas fálicas hechas con telas blandas e hilo de bordar sobre fondos de plástico suspendidos, que a su vez, se transforman en una exploración personal develada con total transparencia, como si lo propio de un otro nunca pudiera considerarse algo ajeno a uno mismo.

Michelle Hostolaza, por otra parte, nos presenta una serie de pinturas en las que podemos reconocer una narrativa relacionada con la memoria y el olvido. La imagen fotográfica es traducida a la pintura, no para ser representada, ni imitada, sino para hacer aparecer el fondo borroso y residual del recuerdo a través del gesto pictórico deslavado, encarnando la sensación inquietante de escenas de infancia, haciendo uso de saturaciones y tonalidades cromáticas provenientes de fotografías análogas obtenidas del álbum familiar y su archivo personal. Este modelo fotográfico, utilizado para atesorar los hitos de la vida compartida se ha vuelto un objeto arqueológico, el resabio de un mundo que ha dejado de existir. A su vez, algunos de los soportes de las pinturas son recogidos de la calle, fragmentos y retazos de muebles que han caído en desuso. La memoria, los muebles, la fotografía, la infancia, se mueven en un limbo entre lo propio y lo ajeno, entre lo desposeído del recuerdo y la propia historia, son el ejercicio obsesivo de revelar sobre la superficie, el registro de un universo familiar atenuado y desgastado a través de imágenes cargadas de la nostalgia de la infancia.

Isabel Croxatto Galería exhibe en esta oportunidad los trabajos de tres artistas que egresaron en enero de 2024 de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales. La muestra no nos propone nuevos modelos con el ánimo positivista de esas primeras academias de pintura, sino que da lugar a la creación que se mueve en el lugar de la imposibilidad, en tareas introspectivas y manuales que se sumergen en un mundo incierto o que nos ofrecen la forma para adentrarnos al fondo, lo que Jean-Luc Nancy, define cuando dice que “el arte nos hace ir por el fondo y, en ese sentido, el naufragio está allí asegurado”.[2]

[1] Sarah Ahmed, ¿Para qué sirve? Sobre los usos del uso, Bellaterra, S.L., Barcelona, 2020, p. 39

[2] Jean-Luc Nancy, La imagen: mímesis & méthexis, en Emmanuel Ulloa (comps), Pensar la imagen, Metales Pesados, Santiago, 2020,  p. 71

Camila Ramírez, artista y académica

Bernardita Croxatto, artista y académica

Escuela de Arte UDP

Sala de Arte CCU

Agosto 2023

Convergentes, en plural, es un encuentro de escuelas de arte que visibiliza doce propuestas artísticas de sus recién egresados para generar vínculos en torno a la riqueza de sus miradas diversas y reflexionar sobre distintas líneas de educación artística existentes hoy en Chile.

Por primera vez bajo la curatoría de una universidad regional -la Universidad Católica de Temuco-, se busca celebrar y resaltar el talento de jóvenes artistas cuyas obras destacan por su originalidad, calidad técnica y profundidad conceptual y que, con medios y estilos propios, expresan sus inquietudes y prioridades. Esta convergencia permite especular sobre nuevas posibilidades de ver, tanto obras de arte como asuntos de vital importancia que nos conciernen como sociedad.

De forma inédita, la exposición ocupa ambos espacios de la Sala de Arte CCU en un recorrido que permitirá apreciar el presente del arte contemporáneo en el país, anticipando preguntas y respuestas que supondrán previsiones del devenir.

Curadores: 

Daniela Gaete 

Carlos Rivera

Artistas:

Agustín Encina (Pontificia Universidad Católica de Chile)

Catalina Machado (Universidad de Chile

Alonso Bello (Universidad Diego Portales)

Diego Mora (Universidad Diego Portales)

María Jesús Troncoso (Universidad Finis Terrae)

Valentina Abarca (Universidad Andrés Bello)

Elizabeth Zamora (UNIACC)

Sarita Sepúlveda (Pontificia Universidad Católica de Valparaíso)

Francisca Matamala (Universidad de Concepción)

Luisa Rivera (Universidad Austral de Chile)

Taller de Animación León y Cociña (Balmaceda Arte Joven)

Shakin Huaiquil (Universidad Católica de Temuco)

Revisa el catálogo de la exposición Convergente 2023 aquí

https://ccuenelarte.cl/wp-content/uploads/2023/07/Convergentes-Catalogo-4ta-version.pdf

Exposición en Facultad de Arte Arquitectura y Diseño

Agosto 2023

Artistas:

Josefina Bardi

Katherine Canales

Josefina Frías,

Catalina Huala

Sofía Pucher

Denisse Villalobos

Curatoría:

Bernardita Croxatto

Camila Ramírez

Edición:

Bernardita Croxatto

Andres Jösch

Angello García

Camila Ramírez

Rodrigo Rojas

Producción serigráfica:

Juan Esteban Reyes

Producción risográfica:

Angello García 

Colaboraciones:

María José Cares

Antonieta López

Se sabe desde hace varios siglos que la Tierra es redonda, pero no fue hasta que Fernando de Magallanes cruzara el estrecho, que ésto se instaló como una realidad objetiva. Podría decirse, de acuerdo con alguno/as historiadore/as, que este acontecimiento mal llamado “Descubrimiento de América” marca el inicio de la modernidad. 

Descubrir, definido como venir en conocimiento de algo que se ignoraba, ha sido una de las cualidades estructurales y un valor superior del  ideal moderno. Venir en conocimiento como el acto de hallar, registrar, alumbrar o revelar lo oculto, puede trasladarse también a los procesos de la visión y de la producción de imágenes. Sobre la supremacía del ojo se fue construyendo la cultura moderna, desde la invención de la perspectiva cónica en el S.XV capaz de traducir con verosimilitud la realidad tridimensional a una superficie bidimensional, que a su vez comandaba la mirada del espectador hacía un único punto de vista, hasta la invención de la cámara fotográfica en el S.XIX capaz de captar y reproducir eventos como un fragmento verosímil de la realidad; es así como la producción de conocimiento ha sido un continuo hallar, registrar, alumbrar y revelar.

Con el desarrollo de dispositivos, instrumentos ópticos y técnicas de observación que permitieron la medición y estudios de los fenómenos de la percepción, la modernidad eurocéntrica instaló la visión y los sistemas de representación visual como constitutivos de objetividad (que se utilizaban también como juegos o ilusionismo) que pretendían, desde la razón, afirmar verdades universales y comprobables, que, a su vez, se recogían en la escritura como sistema de validación para fijar dicha verdad. Este proceso se consagra con los innumerables avances tecnológicos desarrollados en los siglos XVIII y XIX, misma época en que por “métodos aparentemente comprobables” e ilustrados, se establece y normatiza una jerarquía de las vidas a partir de las categorías de género y raza, exteriorizadas visualmente en los cuerpos suprimidos cultural, política y económicamente a partir de la  barbarie o la histeria. 

Esta ambivalencia de lo visual, verdad – ilusión ; objetivar – suprimir, se fue complejizando hacía la explosión de los medios masivos de comunicación, aparentemente democráticos, en dónde la información estaría  al alcance de todas y todos, pero que, a la vez comanda y controla la narrativa de los acontecimientos desde un único punto de vista, como lo son la perspectiva y la fotografía. Sobre la continuidad en el desarrollo de los dispositivos visuales y medios masivos se configuró la cultura contemporánea, alcanzando una red compleja de sistemas de vigilancia y de proyección de la identidad en el mundo globalizado. Hoy existen múltiples puntos de vista superpuestos, que de tanto transparentarse no hacen más que ocultar lo que realmente está ocurriendo, la luz que alumbra también encandila. 

La era digital y las formas de comunicación virtual, que producto de la pandemia del Covid-19 suplantaron de manera radical la experiencia tridimensional de la realidad, nos relegaron a una imagen aplastada y delimitada por el marco de una pantalla iluminada. Con un flujo inabarcable de información visual, la pantalla ha reemplazado el contacto por la conectividad. La tridimensionalidad se vuelve una representación, fragmentada y finita de los espacios y los cuerpos, disociando temporalidades y ritmos vitales propios de la carne; somos mucho más imagen que carne. Somos una iteración de imágenes simultáneas e instantáneas que no pueden constatarse, ni contestarse con la presencia.

Un virus es una imagen invisible, está en todas partes pero no podemos verlo. Es el organismo vivo más pequeño que existe y, sin embargo, es una forma inabarcable para nuestra visión; del mismo modo en que es inabarcable la forma gigantesca de la Tierra. Ambas surgen como representaciones dadas; en el caso del virus desde la nanotecnología, en el de la Tierra, desde la macroingeniería. No podemos abarcar estás imágenes con la mirada y hemos asimilado ambas como realidad a partir de la construcción y representación del conocimiento científico. 

Los Terraplanistas proponen que la imagen esférica de la Tierra no es más que un acuerdo entre mecanismos de poder político e instituciones científicas para instalar y disciplinar el conocimiento y, por tanto, las conductas sociales. Su versión de la Tierra es una imagen aplastada y finita, una imagen configurada en el seno de la desconfianza que percibe cualquier relato oficial, como el síntoma de una conspiración, a la vez que crea sus propios dispositivos de medición y métodos de representación (aparentemente científicos), aunque respondan antojadizamente a los fenómenos de la visión, como las apariciones marianas o la restauración del ecce homo.

Ver para creer. Según el evangelio de Juan (20:24-29), el apóstol Tomás llegó a decir: “Si no viere en sus manos la señal de los clavos, y metiere mi dedo en el lugar de los clavos, y metiere mi mano en su costado, no creeré”. Por alguna razón, la frase que se adoptará de manera popular hasta nuestros días, dejó completamente fuera al tacto. Solo se puede ser testigo de lo que se presencia, pues todos los dispositivos de registro son susceptibles de ser mediados o alterados. La presencia no puede ser jaqueada. Santo Tomás y Magallanes necesitaron comprobar físicamente, tanto la hipótesis de la resurrección, como la de la forma de la Tierra y ambos requerían co-presencia para tales efectos, aunque a uno se le adjudique la metáfora de la falta de Fe y al otro la verdad sobre la forma de la Tierra. 

La imagen, que fue un modo de control de la narrativa desde tiempos del poder soberano, no parece haber cambiado su estatus en la actualidad, en la que una proliferación de estas nos llegan a través de dispositivos diversos sin que podamos corroborarlos, y aún así estás imágenes pueden ser constitutivas de realidad, a la vez que, y por lo mismo, nos generan  una desconfianza radical en la que no podemos diferenciar realidad de simulacro. Es por la puerta de la visión que entró la dominación psico-cognitiva a dogmatizar nuestra mirada, no como los soberanos y eclesiásticos de siglos pasados, que hacían circular una imagen única e “iluminada” para dejar los ojos homogéneos, sino todo lo contrario, haciendo circular en torrentes inagotables una polifonía de imágenes que nos encandilan, como un hechizo luminoso que hace caer nuestros ojos en los bordes del mundo-planeta donde se acaba la piel.

Entonces, ¿cómo podemos constatar la forma de algo imposible de ver? La ambivalencia de las imágenes radica en que pueden ser entendidas en su función de documentos fidedignos y objetivos, a la vez como dispositivos de montaje, simulación y dominación, dando lugar a comunidades dogmáticas, tanto de quienes creen sin discernimiento en los medios e instituciones que las producen y reproducen, como por quienes viven articulando o sumándose a teorías conspirativas variopintas, como imágenes mentales colectivizadas. Ambas partes acusan de ignorancia a la otra. El sentido positivista de hallar, registrar, alumbrar y revelar ha quedado obsoleto, pero las imágenes pueden aún regresarnos a otra comprensión del mundo.

En las fisuras de la hegemonía de la Historia, las instituciones y la enajenación de movimientos ultristas, las imágenes son también un dispositivo con el que subvertir relatos de dominación, crear contranarrativas, apelar a la imaginación radical, a los intersticios de la memoria, recuperar otras historias y conocimientos suprimidos o inaugurar la mirada.

Bernardita Croxatto

Camila Ramírez

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DONDE ACABA EL MUNDO, SE CAEN LOS OJOS  es el título del primer Laboratorio de Creación Gráfica 2021 y del primer Programa Transdisciplinar 2022 que convoca la Escuela de Arte UDP. Ambos se generaron como una instancia para dar lugar a la investigación aplicada, exploración y creación artística.

Estos procesos se articularon bajo una serie de conceptos en torno a las imágenes desprendidos de la creencia para-científica del terraplanismo y de cómo en esos términos la imagen acontece en condición de montaje o evidencia. En el caso del Programa Transdisciplinar, al que fueron invitados los académicos Rodrigo Rojas Bollo (Literatura Creativa UDP)  y Angello Garcia (Diseño UDP), estos asuntos sirvieron como detonantes para la colaboración interdisciplinar, integrando la escritura creativa, la serigrafía, la risografía y otras técnicas y procedimientos que se fueron incorporando al proceso, en el que participaron artistas egresadxs de Literatura Creativa y Arte, entre junio y diciembre de 2022, cuyos procesos se exponen en esta muestra.

Isabel Croxatto Galería presenta una selección de trabajos de siete artistas que egresaron en 2022 de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales. Esta muestra da cuenta del afán de una generación por reflexionar sobre la compleja relación material y simbólica que establecen ciertos estereotipos predominantes y que tienden a normar las definiciones de naturaleza y cultura a través de binomios que constituyen una suerte de figuras antagónicas, como, por ejemplo, sobre lo sano y lo enfermo, lo masculino y lo femenino, lo productivo y lo desechable.  

Así, la idea del porvenir es comúnmente utilizada en los discursos políticos, religiosos y motivacionales con un sentido positivista para justificar el malestar del presente como un estadio necesario frente a la promesa de un futuro mejor. Sin embargo, este sentido del término agoniza en los micro y macro colapsos naturales, políticos, sociales, económicos y culturales que nos confrontan a diario a nivel global. Las propuestas de las y los artistas de esta muestra se enuncian desde ese mundo que ya ha caído, y desde ahí se presentan como el resultado de una fuga, como operaciones que posibilitan entender el mundo bajo definiciones móviles y en permanente plasticidad. 

En estas operaciones, la materia y la forma se articulan como la transcripción de una deriva por paisajes físicos, abstractos y corporales; recortes que, traídos desde geografías disímiles, aparecen con resoluciones, procedimientos y tecnologías diversas. Vemos aquí un cuerpo desplazado a la fotogrametría y el trasvasije  (Marcelo Cruzat); una visceralidad poética descifrada en ejercicio pictórico (Vicente San Martin); la noche de los barrios de Santiago trasladada a una paleta de sombras pesadas (Ismael Sepúlveda); la plasticidad de los cuerpos en sus transiciones permanentes (Diego Mora); la psiquis como espacio saturado  que se descompone en múltiples pantallas en loop (Josefina Herrera); los campos secos de una mina abandonada en las afueras de la capital transportados como óxido y corrosión (Alonso Bello); y las naturalezas urbanas traducidas en artefactos híbridos y precarios (Sebastián Márquez).

Transcripciones de lugares por venir apela a visualidades que se hacen desde y con el cuerpo, no para mostrarnos sus viscosidades, humores o carnosidades, sino que

inscribiendo su condición en múltiples superficies que dan cuenta de la urgente necesidad por recuperar la experiencia. Estas superficies, aparentemente cerradas, son en realidad la materialidad de un espacio latente, un estado de tránsito y la celebración de un cuerpo inacabado que no pueden fijarse como objeto predeterminado, sino que nos llevan a lugares que están aún por venir.

Andrea Jösch, Directora

Camila Ramírez, Coordinadora Línea Taller Central

Bernardita Croxatto, Coordinadora Vinculación con el Medio

Artistas:

Alonso Bello

Diego Mora

Ismael Sepúlveda

Josefina Herrera

Marcelo Cruzat

Sebastián Márquez

Vicente San Martin

Curadores:
Isabel Croxatto
Nicolás de Sarmiento
Christine Hoffmann

La Cátedra Expandida “Visualidades e imaginarios radicales. Atravesar los 50 años”, buscó generar diálogos entre activismos, prácticas artísticas y pensamiento crítico en torno a las memorias desde la Unidad Popular hasta nuestros días. El objetivo fue poner en perspectiva procesos, experiencias y debates que nos invitan a interrogar el presente y el porvenir. Orientadas por las revueltas de la memoria y por un archivo vital compuesto de saberes, imágenes, discursos y prácticas, se buscó hilar narrativas y construir acciones que potencien la imaginación política y estética.

Equipo organizador:
Mane Adaro: Investigadora, curadora y editora. Feminista antiespecista.
Ángeles Donoso Macaya: escritora, investigadora y activista; profesora titular de CUNY.
Rita Ferrer: Ensayista, curadora y docente.
Andrea Jösch Krotki: directora Escuela de Arte UDP, editora y curadora.
Javiera Manzi A.: Investigadora RedCSur, archivera y activista feminista.
Tania Medalla: Docente, investigadora y activista.
Cynthia Shuffer: Investigadora y fotógrafa. Académica IDEA-USACH.

CONVERSATORIO 1: Memorias transfeministas, Sala Estación USACH.

Activa: Cynthia Shuffer

Participan:
Fernanda Carvajal, investigadora.
Ariel Florencia Richards, escritora.
Lucía Egaña, artista visual, curadora, investigadora, docente, escritora

Proyectan:
Cheril Linett
Diego Argote

Sebastián Marchant

CONVERSATORIO 2: Borradores utópicos, memorias futuristas, Sala Estación USACH.

Activa: Javiera Manzi A.
Participan:
Martín Llancaman, filósofo
Julia Verónica Matus Madrid, abogada DDHH
Alia Trabucco Zerán, escritora

Intervención Paula Carmona Frontis MAC

Apertura Colectivo Cueca Sola

CONVERSATORIO 3: La irrefutable vigencia del ¿Dónde están?, MAC PARQUE FORESTAL.
Activa: Tania Medalla

Participan:
Paola Dragnic, periodista
Danilo Espinoza, artista visual
Paulina Varas, investigadora y académica UNAB
Proyectan:
Zahara Gómez

somoslacélula Proyección  

Rafael Lozano-Hemmer

CONVERSATORIO 4: AFI HISTÓRICAS/AFI WOMAN, MAC PARQUE FORESTAL.

Activa: Rita Ferrer

Participan:
Paz Errázuriz, fotógrafa
Helen Hughes, fotógrafa
Inés Paulino, fotógrafa
Marucela Ramírez, fotógrafa

CONVERSATORIO 5: La geografía no es neutra, es política, CASA PALACIO.

Activa: Ángeles Donoso Macaya

Participan:
Cristián Inostroza, artista visual
Francisca Rodríguez Huerta, activista y cofundadora ANAMURI
Ingrid Wildi-Merino, artista visual
CIERRE CÁTEDRA
Guerrilla Marika